Próximas funciones, en los Teatros del Canal:
ANTONIO C. GUIJOSA Las cartas de Cristián Teatro. Estreno absoluto 114 Sala Negra. Del 26 de enero al 12 de febrero
Teatro Estreno absoluto 114 Sala Negra Del 26 de enero al 12 de febrero
De martes a sábado – 18.30 h Domingos – 17.00 h 26 y 31 de enero – 20.00 h 7 de febrero – 20.30 h 12 de febrero – 18.30 h 20€ En Sólo un metro de distancia utilicé la despersonalización como herra – mienta para estructurar la función tanto a nivel dramatúrgico como de puesta en escena. La despersonalización es uno de los sistemas de defensa que utiliza la mente para protegerse del trauma, y provoca la sensación de alejar la vivencia, de no haberla experimentado realmente. Trasladé ese efecto a la construcción de la estructura de la obra. En esta ocasión parto de la sensación de suspenso. El momento en que la idea, la palabra o el recuerdo parecen desaparecer y la acción queda interrumpida. Esto da lugar a una fragmentación del relato que obliga al espectador a ir uniendo poco a poco las piezas. Serán estos dos elementos, la fragmentación y la sensación de interrupción, los que –paradójicamente– vertebren el montaje. Antonio C. Guijosa País: España Idioma: español Duración: 1h 45’ aprox. (sin intermedio) Reparto: Cristina Bertol, Fael García, Ana Mayo, Rodrigo Poisón Texto y dirección: Antonio C. Guijosa Escenografía: Mónica Teijeiro Diseño de iluminación: Carlos Cremades Diseño de sonido: Mar Navarro G. Prensa y comunicación: María Díaz Distribución: GG Producción y distribución Imagen promocional: Patricia Aladro Producción: Serena Producciones.
ANDRÉS LIMA EDUARD FERNÁNDEZ SANTIAGO LOZA Todas las canciones de amor Teatro Estreno en la Comunidad de Madrid. Sala Verde Del 27 de enero al 12 de febrero
Martes a sábados – 19.45 h Domingos a las 18:00
Precio: 30€ / 25€ / 9€.
Duración: 1h 20’ (sin intermedio)
«Un homenaje a una mujer, a una madre que dedicó su vida a cuidar a los demás, a hacer las camas, doblar las sábanas, cocinar, fregar, barrer, amar, callar… Es una reflexión emocional de una mujer al final de un camino, un camino extraordinario, bello y terrible como la vida. Nos habla desde su cocina, donde pintaremos sus recuerdos y su mundo interior, sus amores, su marido, su hijo, sus canciones de amor. Cuando algunos hechos inexplicables se repiten una se da cuenta de que la realidad ha sido tomada por el asombro. Desde ese asombro nos cuenta su historia, el olvido, el recuerdo y el amor. » Eduard Fernández
País: España Idioma: español. Texto: Santiago Loza Dramaturgia: Eduard Fernández, Andrés Lima, Santiago Loza Producción Checkin Prod.: Joseba Gil Coproducción con Teatros del Canal Fotografías: Laura Ortega Comunicación: Pepe Iglesias Dirección: Andrés Lima Reparto: Eduard Fernández Escenografía y vestuario : Beatriz San Juan Iluminación: Valentín Álvarez Música y espacio sonoro : Jaume Manresa Videocreación: Miquel Raió Espacio sonoro: Enrique Mingo Ayte. de dirección: Laura Ortega
EVA YERBABUENA Re-fracción (desde mis ojos) Danza – flamenco Estreno en la Comunidad de Madrid Sala Roja 27 y 28 de enero – 20.30 h 29 de enero – 19.00 h
Precio: 25€ / 20€ / 18€ / 9€.
Duración: 1h 10’ (sin intermedio).
Re-fracción (desde mis ojos) es el título del proyecto que nace del encuentro de Eva Yerbabuena y Juan Kruz Diaz de Garaio Esnaola. Un encuentro en el que Eva se desvela ante la mirada de Juan Kruz, sin artificio ni pose, sin tener que cumplir ninguna expectativa, ajena o propia. Utilizando un dispositivo escénico reducido, los músicos se ponen al servicio del baile focalizando el discurso artístico en ella. De forma simultánea, Juan Kruz y el artista de vídeo Greg Blakey pro – yectan un vídeo cuyas imágenes son un montaje de escenas grabadas previamente que pertenecen al pasado de Eva y de imágenes toma – das en vivo por Juan Kruz, que manipula la cámara. De este modo, Re-fracción (desde mis ojos) otorga una mirada íntima y distinta a los paisajes emocionales, personales, íntimos al alma, de alguna manera, de Eva, recordándonos que no existe nada absoluto, ni siquiera la verdad. 119
País: España Idioma: español. Coreografía: Eva Yerbabuena Creación y dirección musical : Paco Jarana Dirección escénica y concepto : Juan Cruz Diaz de Garaio Esnaola Asistente a la dirección: Martí Corbera Vídeo, imágenes, film: Greg Blakey Coordinación técnica: Daniel Cupic Diseño de luces: Fernando Martín y Juan Cruz Diaz de Garaio Esnaola Director técnico y sonido: Ángel Olalla Diseño y confección del vestuario : López de Santos Zapatos: Begoña Cervera Diseño de audio: Enrique Ghares Voghler Diseño gráfico: Jacobo Carmona Producción y ayudante de producción : Nacho Terry Bailaora: Eva Yerbabuena Guitarra: Paco Jarana y Juan Campallo Cantaores: Alfredo Tejada, Miguel Ortega y Antonio Gómez el Turry Bailaor – palmero: José Manuel Oruco Percusión: Rafael Heredia.
CARME PORTACELI & MICHAEL DE COCK / KVS Bovary Teatro Estreno en España. Sala Roja 1, 2, 3 y 4 de febrero – 20.30 h 5 de febrero – 19.00 h
Precio: 25€ / 20€ / 18€ / 9€.
Duración: 1h 30’ (sin intermedio)
La novela de Gustave Flaubert sobre la esposa de un médico rebelde tiene más de 150 años, pero los temas que trata Madame Bovary siguen igual de vigentes que siempre. Como sociedad, seguimos enfrentán – donos desde hace siglos a los mismos patrones estereotipados. Emma Bovary es víctima de ellos, pero también se rebela contra ellos. Michael De Cock ha reescrito la novela para el teatro y la direc – tora catalana Carme Portaceli trae a escena a Madame Bovary en una adaptación contemporánea que enfatiza la persistente vigencia de la historia. Maaike Neuville interpreta a Emma Bovary y Koen De Sut – ter a su marido Charles. En palabras de Carme Portaceli: “Madame Bovary fue una bomba de la literatura mundial. Esta historia sobre una esposa adúltera que se suicida fue tan sorprendente que se consideró un ataque contra la sociedad francesa y acabó con un juicio al autor, Gustave Flaubert. Su protagonista, Emma Rouolt, está llena de vida y busca desespera – damente la felicidad pero solo podrá salir de su pequeño mundo -la casa paterna- casándose con Charles Bovary, el médico de su padre y con un mundo aún más pequeño que el suyo. Para huir del abu – rrimiento y la parálisis, Emma se refugiará en la lectura de novelas de amor y será víctima de todo tipo de estereotipos, de esos que han matado a las mujeres que los han seguido”. País: Bélgica Idioma: flamenco (con sobretítulos en español).
Según la novela de Gustave Flaubert Texto: Michael De Cock Dirección: Carme Portaceli Con: Maaike Neuville, Koen de Sutter y Ana Naqe Diseño de iluminación: Harry Cole Espacio sonoro: Charo Calvo Coreografía: Lisi Estaràs Dramaturgia: Gerardo Salinas Asistente de dirección: Inge Floré, Ricard Soler Diseño de escenografía y vestuario : Marie Szersnovicz Producción: KVS Directores de producción: Miek Scheers, Tanja Vrancken Dirección de escena: Davy de Schepper Técnica: Dimi Stuyven (iluminación), Bram Moriau (sonido) Sobretítulos: Inge Floré Confección de vestuario: Eugenie Poste y Heidi Ehrhart Traducción: Isabelle Grynberg, Trevor Perri Distribución y dirección de la gira : Saskia Liénard Coproducción de Perpodium con el apoyo de la política de incentivos fiscales del gobierno federal de Bélgica.
VALÉRIE LESORT Y CHRISTIAN HECQ / THÉÂTRE DES BOUFFES DU NORD La mosca (La Mouche) Teatro Estreno en España 122 Sala Roja 8, 9, 10 y 11 de febrero – 20.30 h 12 de febrero – 12.00 h
Precio: 25€ / 20€ / 18€ / 9€ / Menores 14 años: 12€.
Duración: 1h 40’ (sin intermedio)
La obra se desarrolla en el centro de un pueblo en los años sesenta. Robert vive con su madre, Odette, tiene unos cincuenta años, es calvo, barrigón y malhumorado: cumple todos los criterios para ser un soltero empedernido. La relación madre-hijo es tan inquietante como hilarante, un guiño al episodio “El platillo volante y el loro” del programa de la televisión francesa StripTease . Pasa la mayor parte del tiempo en un garaje convertido en habitación-laboratorio, donde intenta montar una máquina de teletransporte. Odette se ocupa de la casa, del jardín y de su hijo ya adulto, aunque eterno adolescente. Con una mirada tierna pero totalmente escéptica, observa las supuestas investigaciones científicas de su hijo. Asistimos a la vida cotidiana de esta extraña pareja, perturbada por una sucesión de experimentos de teletransporte con resultados más o menos exitosos, aunque necesarios para perfeccionar la máquina. Robert practica primero con objetos, luego con animales, incluido el perro de Odette, Croquette, que tiene un final trágico. Preocupada por el aislamiento de su hijo, Odette decide invitar a tomar una copa a Marie-Pierre, del mismo tipo que Robert: cohibida y solterona. Tras una velada desastrosa, Robert convence a Marie-Pierre para convertirse en el primer humano que jamás haya probado a ser teletransportado. Con movimiento corporal, efectos especiales y estética de la época de los inicios de la informática, La Mouche se presenta como un laboratorio de exploración escénica y visual, un extraordinario campo de juego. País: Francia Idioma: francés (con sobretítulos en español).
Versión libre del relato breve de George Langelaan Adaptación y dirección: Valérie Lesort y Christian Hecq Con Robert: Christian Hecq de Comédie-Française Marie-Pierre: Valérie Lesort Odette: Christine Murillo Inspector Langelaan: Jan Hammenecker Escenografía: Audrey Vuong Diseño de iluminación: Pascal Laajili Composición y música : Dominique Bataille Guitarra: Bruno Polius-Victoire Vestuario: Moïra Douguet Artistas visuales: Carole Allemand y Valérie Lesort Concepción de vídeo: Antoine Roegiers Proyección de vídeo: Eric Perroys Atrezo: Manon Choserot y Capucine Grou-Radenez Asistente de dirección : Florimond Plantier Dirección técnica: Pierre-Yves Chouin Producción: Centre International de Créations Théâtrales / Théâtre des Bouffes du Nord & Compagnie Point Fixe Coproducción: Les Célestins, Théâtre de Lyon; Espace Jean Legendre – Théâtres de Compiègne; Le Grand R, Scène nationale de La Roche-sur-Yon La Mouche en NOUVELLES DE L’ANTI-MONDE de George Langelaan ©Robert Laffont
CICLO BOADELLA 124
Después de sesenta años en el teatro como dramaturgo, director y actor, los Teatros del Canal presentan las dos últimas obras de Albert Boadella: el estreno de Malos tiempos para la lírica y la reposición de Diva. Paralelamente, habrá tres debates centrados en su trayectoria y su singular manera de enfocar el teatro. Estos encuentros irán precedidos de unos breves documentales que ilustrarán y situarán cada uno de los temas. Debates Joglars, una larga utopía Con Albert Boadella, Martina Cabanas y Ramon Fontseré Su trayectoria de 52 años con Joglars
Sala Verde / 23 de febrero / 20.00 h La derivación política de las obras Con Arcadi Espada y Albert Boadella Las grandes polémicas escénicas y las intervenciones políticas a nivel personal. Sala Verde / 2 de marzo / 20.00 h El teatro como arte: La palabra con música Con Yayo Cáceres y Albert Boadella La fusión de la última parte de su obra teatral con la música. Sala Verde / 7 de marzo / 20.00 h Entrada libre hasta completar aforo.
CICLO BOADELLA Malos tiempos para la lírica Espectáculo lírico teatral Estreno en la Comunidad de Madrid 126 Sala Verde Del 15 de febrero al 5 de marzo
De martes a sábados – 19.45 h Domingos – 18.30 h 23 de febrero y 2 de marzo: no hay función.
Precio: 30€ / 25€ / 9€.
Duración: 1h 30’ (sin intermedio)
Una famosa cantante española con cinco Grammys en su carrera ha conseguido triunfar en EE.UU. con temas de zarzuela adaptados a los ritmos más modernos. Su frenética carrera acaba provocándole una desaparición transitoria de la voz. A fin de solventar la crisis, su coach le persuade para hacer un reset en su vida y reconciliarse con el pasado. Su viejo maestro de zarzuela vive ahora recluido y enfermo en una residencia. El encuentro entre los dos provocará en ellos violentos debates artísticos, pero también incitará de nuevo la relación pasional que mantuvieron. La evocación del pasado y el retorno a la inocencia sentimental de la zarzuela despertarán en la cantante el dilema sobre si aquel mundo agónico y decadente era preferible a la vida desquiciada a la que le ha conducido su avidez de triunfo. País: España Idioma: español.
Reparto: María Rey-Joly (soprano) y Antonio Comas (tenor) Dirección: Albert Boadella Dramaturgia: Albert Boadella y Martina Cabanas Ayudantía de dirección: Martina Cabanas Iluminación: Bernat Jansà Coproducción con Teatros del Canal.
CICLO BOADELLA Diva 100 aniversario del nacimiento de Maria Callas Espectáculo lírico teatral 128 Sala Verde / Del 8 al 12 de marzo
De martes a sábados – 19.45 h Domingos – 18.30 h.
Duración: 1h 30’ (sin intermedio)
Precio: 30€ / 25€ / 9€
Maria Callas se halla en el ocaso de su vida. Reside en París alejada de todo. Su voz ya no tiene nada que ver con lo que fue. La crítica se cebó con ella en sus últimas apariciones y no ha vuelto a cantar en público. Ha muerto Onassis. La realidad de su decadencia le hace vivir un mundo de recuerdos. Desdeña el presente mientras fuerza a su repetidor para que la acompañe en un imaginario repertorio que ya no podrá realizar. También lo utiliza para crear una situación sadomasoquista. Le obliga a interpretar a Onassis, su gran amor. Sus momentos más apasionados y estelares. En su delirio, se imagina al griego como pareja de los grandes dramas operísticos que ella protagonizó. Alguien que la mata o alguien con quien morir al final de la ópera. Es el inicio del camino hacia su propio y misterioso final, que muy pronto realizará a su voluntad. País: España Idioma: español.
Autor y director de escena: Albert Boadella Intérpretes: María Rey-Joly (Maria Callas) y Antonio Comas (Ferruccio) Iluminador: Bernat Jansà Asesoría artística: Dolors Caminal Ayudante dirección: Martina Cabanas Coproducción con Teatros del Canal
LA CONQUESTA DEL POL SUD Claudia Teatro documental 130 Sala Negra / 15, 16 y 17 de febrero – 19.00 h
Precio: 20€.
Duración: 1h 20’ (sin intermedio)
Claudia va de la memoria. Vivimos en una sociedad que tiene una relación muy interesante con la memoria. Por un lado, podemos alma – cenar y movilizar miles de millones de datos por segundo. En algunos años habrá ordenadores capaces de replicar un cerebro humano. Pero, ¿sabemos interpretarlos? ¿Sabemos utilizar las enseñanzas del pasado en provecho de nuestro futuro como colectividad? Tal como un enfermo de Alzheimer no sabe quién es, nuestras sociedades, a menudo, olvidan su pasado o deciden que no vale la pena detenerse a clarificarlo. Memoria e identidad van indisolublemente ligados. Claudia va de la valentía de mirarse al espejo. Algo que nadie puede hacer por ti. Esa valentía debería ser aspiración de todo ser humano. En esa línea, C. G. Jung dijo: “Quien mira hacia fuera, sueña. Quien mira hacia dentro, despierta”. También dijeron algo parecido los griegos, 2400 años antes: “Conócete a ti mismo”. Esa valentía deberían aspirar a tenerla también los pueblos, las sociedades. Nadie puede ser libre si no sabe quién es. País: España Idioma: español.
Creación e interpretación : Claudia Victoria Poblete Hlaczik, Carles F. Giua y Eugenio Szwarcer Dirección: Carles Fernández Giua Diseño de espacio y vídeo : Eugenio Szwarcer Diseño de iluminación: Luis Martí Diseño de sonido: Damien Bazin Producción ejecutiva en gira : Carol Murcia Distribución y comunicación : Lidia Giménez Producción: Grec Festival de Barcelona, CCCB Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, Ajuntament de Terrassa y La Conquesta del Pol Sud Con el apoyo de: Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC), la Casa América de Barcelona y el Institut Ramon Llull.
BRAD MEHLDAU TRÍO Concierto de jazz 132 Sala Roja / 21 y 22 de febrero / 20.30 h
Precio: 40€ / 35€ / 30€ / 25€ / 9€
Duración: 1h 30’ (sin intermedio)
El pianista de jazz Brad Mehldau, ganador de un premio Grammy, ha grabado y actuado profusamente desde principios de la década de 1990, sobre todo con el formato de trío. A partir de 1996, su grupo lanzó con Warner Bros una serie de cinco discos titulados The Art of the Trio. Durante ese mismo período, Mehldau también realizó una grabación de piano solo titulada Elegiac Cycle, y un disco llamado Places que incluía canciones de piano solo y trío. Con la formación actual, Mehldau / Grenadier / Ballard, ha publicado más de una veintena de discos con el sello Nonesuch. La personalidad musical de Mehldau es una dicotomía. Es ante todo un improvisador que aprecia la sorpresa y el asombro que se pueden producir a partir de una idea musical espontánea, que se expresa directamente, en tiempo real. Pero también tiene una profunda fascinación por la arquitectura formal de la música, y esto influye todo lo que ejecuta. Mientras toca, escucha cómo las ideas se revelan. Cada canción tiene un arco narrativo muy sentido, ya sea al principio, al final, o en algo dejado abierto de manera intencional. Los dos lados de la personalidad de Mehldau, la improvisación y el formalismo, se enfrentan entre ellos, y el efecto es a menudo algo así como un caos controlado. País: Estados Unidos. Brad Mehldau, piano Larry Grenadier, contrabajo Jeff Ballard, batería 133 FOTOGRAFÍA: ©MICHAEL WILSON 134
PALOMA HURTADO Y DANIEL MORALES INA Danza Estreno en la Comunidad de Madrid. Sala Negra / 22 y 23 de febrero – 20.30 h
Precio: 20€
Duración: 50’ (sin intermedio)
INA es un viaje en el tiempo, en el espacio, en el continuo espacio-tiempo. Es el viaje que hacemos al observar los astros, a veces en busca de respuestas, otras con simple curiosidad, pero siempre con preguntas. Pensar que la materia que compone las estrellas es la misma que forma parte de nuestros cuerpos, que todas fuimos alguna vez estrellas candentes del firmamento que hoy observamos. El deseo de poder hacer sentir al otro su conexión con la esencia, con lo más puro que llevamos dentro, con ese foco de luz que nos alimenta y nos hace iguales, entre humanos, y al resto de la naturaleza. “Hoy vivimos la noche en caída libre hacia las estrellas. El planeta ha perdido la gravedad y nos subimos a esa estrella que acaba de pasar. Desaparecemos mientras suenan tus risas a lo lejos. Bendita inocencia. Un estallido de luz nos conecta con los sueños. Somos polvo de estrellas”. 135 País: España.
Uso de luces estroboscópicas Equipo artístico: Paloma Hurtado, Daniel Morales Equipo técnico: Alfredo Díez, Luca Lorenzo Sala Con el apoyo de: Canarias Crea PALOMA HURTADO Y DANIEL MORALES INA Danza Estreno en la Comunidad de Madrid
HRVATSKO NARODNO KAZALIŠTE U ZAGREBU (TEATRO NACIONAL DE CROACIA EN ZAGREB) / BOBO JELČIĆ Sorry Teatro Estreno en España 136 Sala Roja / 24 y 25 de febrero – 20.30 h
Precio: 25€ / 20€ / 18€ / 9€
Duración: 1h 45′ (sin intermedio)
En lugar de seguir el antiguo modelo según el cual el teatro imita la realidad, el director Bobo Jelčić crea un teatro en el que la realidad y la imaginación se funden. Siguiendo el principio de la casualidad y la coincidencia, en sus proyectos recoge fragmentos de eventos que no suelen estar conectados por la trama, la historia o la acción, construyendo así una forma abierta que aún está por convertirse en una obra de teatro (un drama). Estos manuscritos dispersos permiten que la integración y la desintegración teatral se produzcan simultáneamente, un proceso que lleva varias décadas aplicándose y practicándose en la literatura. Jelčić tiene un enfoque único con respecto al trabajo con actores, en el que todos sus proyectos son el resultado de la autoría colectiva de todo el reparto, basado en la improvisación y la experiencia personal. Jelčić escribe y dirige, buscando alternativas contemporáneas a las formas clásicas y conceptuales del teatro. En su nuevo proyecto, Sorry, Bobo Jelčić tratará de dar una nueva perspectiva a los peligros actuales, centrándose en la puesta en peli – gro del individuo en una pequeña ciudad. Y prestando atención a las cuestiones emocionales y sociales. País: Croacia Idioma: croata (con sobretítulos en español).
Dirección: Bobo Jelčić Elenco: Jadranka Đokić, Lana Meniga, Melody Martišković, Marko Makovičić, Luka Knez, Lara Nekić, Vid Ćosić, Marin Stević, Alma Prica, Ivan Colarić Dramaturgia: Mirna Rustemović Diseño de escenografía y vestuario: Zdravka Ivandija Kirigin Asistente de dirección: Patrik Sečen Asistente de dramaturgia: Karla Leko Asistente de producción: Katarina Krešić El espectáculo se realiza dentro del proyecto internacional “Prospero Extended Theatre”, gracias al apoyo del programa “Europa Creativa” de la Unión Europea. 137
CICLO JOVEN ORQUESTA Y CORO DE LA COMUNIDAD DE MADRID Música / programación familiar 138 139 Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid y Victoria P. Miranda Poder de amor y vida Música y danza Sala Roja / 26 de febrero – 18.00 h
Precio: 9€ / Menores de 14 años: 6€.
Una alegoría de las fuerzas que rigen y transofrman los elementos vitales. Coreografía: Victoria P. Miranda Dirección musical: Jorge Suárez Camerata de cuerdas de la JORCAM
El principito Música Sala Verde / 16 de abril – 12.00 h / 9€ / Menores de 14 años: 6€.
Redescubre la obra maestra que nos muestra el sentido de la vida a través del lenguaje universal de la música. Una elección de textos nos proyecta al universo infinitamente grande e infinitamente pequeño del libro más leído en el mundo. Música de Thierry Huillet, basado en el libro de Antoine de Saint-Exupéry Directora musical: Anne Marie North Pequeños cantores de la JORCAM Mitos y ritos Música Sala Verde / 28 de mayo – 12.00 h / 9€ / Menores de 14 años: 6€. La música, la palabra cantada y la palabra recitada guían las ceremonias tradicionales en todas las culturas desde tiempos inmemoriales. Cantos y conjuros, danzas y ritos, palabras y mitos… una creación de las ceremonias de aquí y de allá, de las tradiciones que nos unen con la naturaleza. Música de autores variados Guion y narración : Ana Hernández Sanchiz Directora musical: Ana González La JORCAM, proyecto socioeducativo de la Fundación ORCAM, presenta, junto a Teatros del Canal, una serie de tres producciones donde se podrá apreciar el talento, la creatividad y compromiso de nuestros jóvenes en un formato destinado a todos los públicos. FOTOGRAFÍAS: ©IVÁN CASTELLANO
MARISA MANCHADO & ANA VEGA TOSCANO Una voz en la noche (Oratorio de Nieves Torres) Texto: JESÚS FERRERO Música y vídeo Estreno absoluto 140 Sala Negra / 28 de febrero – 20.30 h
Precio: 20€
Duración: 1h (sin intermedio).
Una voz en la noche es un oratorio con texto del escritor Jesús Ferrero, del cual partió la idea de crear un oratorio musical. Voces, piano, electroacústica, imágenes… todo ello conforma este oratorio en la interpretación al piano de Ana Vega Toscano y Marisa Manchado Torres (Dúo Anmar) con música original suya y las voces de las sopranos Vanessa García Fernández y Patricia González Arroyo, dirigidas por Patricia Kleinman en los temas “Nieves” (texto de Ana Martín Puigpelat) y “La escalera de caracol” (texto de Jesús Ferrero). El oratorio transcurre en una región de cenizas donde hay manos que se dedican a borrar caras del libro de la vida, imagen del texto que indica el universo de represión que sucedió a la Guerra Civil: las muertes, las cárceles, la niebla. Marisa Manchado Torres País: España Idioma: español. Texto: Jesús Ferrero Música y vídeo: Marisa Manchado Torres y Ana Vega Toscano Intérpretes : Piano: Marisa Manchado Torres y Ana Vega Toscano Cantantes: Vanessa García Fernández (soprano) y Patricia González Arroyo (soprano) Maestra concertadora y dirección vocal-musical (en las obras “Nieves” y “Una escalera de caracol”): Patricia Kleinman Voces pregrabadas: Marisa Manchado Torres, Ana Vega Toscano, Vanessa García Fernández y Patricia González Arroyo Estudio de grabación: Esmuva 141 FOTOGRAFÍA: ©BEATRIZ ARZAMENDI
THÉOTIME LANGLOIS DE SWARTE (violín) y SILVÈRE JARROSSON (pintor) Visual Music Música y pintura Estreno en España 142 Sala Negra / 2 de marzo – 19.00 h.
Precio: 20€
Duración: 1h 10’ (sin intermedio).
Un pintor, un violinista, la singular asociación de dos artes dialogando en torno a las Partitas de Bach. La idea única de su actuación es crear un diálogo entre pintura y música en un espectáculo híbrido, entre concierto y performance artística. Théotime Langlois de Swarte toca y acompaña a Silvère Jarrosson mientras este crea un lienzo vivo. De este diálogo inédito nace un concierto de pintura, donde vemos la obra transformarse poco a poco sobre los barrotes. Antiguo bailarín de la Ópera de París, la forma de pintar de Silvère Jarrosson, dinámica y cercana a la danza, utiliza el ritmo del violín y la escenografía que permite su enorme pintura. Una danza tanto como una actuación, en la que los dos protagonistas se siguen y se acompañan. País: Francia
